Alexander Karschnia – Nicola Nord&Co. Interview by Irene Moundraki from the National Theatre of Athens for the Magazine “Highlights” in 2005

You two have been working together as an ensemble. How does this function?

Alex: We are co-founders of an artists’ network called andcompany&Co. We have both studied theatre-, film- and media-studies at the Goethe-University in Frankfurt/Main. I discovered practice out of theoretical curiosity; Nicola discovered theory after having been involved in practice for a long time.

Nicola: I made the conscious decision against acting schools and joined the university which also became my artistic education through different mentors, but mainly the teaching of Prof. Hans-Thies Lehmann who opened a whole new world for us beyond traditional theatre, who introduced us to an ‘other Brecht’, an un-orthodox reading and understanding of his theatre and how it is still unconsciously influencing new theatre makers, even performance art today.

• How is your experience in DasArts, this very pioneer institute? How do you work there?

Nicola: DasArts is a very unique place in the landscape of theatre and dance education. It is rather difficult to describe DasArts, and that already tells a lot about it, because it is always changing. Every artist I met who has been to DasArts, experienced a different DasArts, because it is truly a mobile art school, movable in its own methods and themes. As a post-graduate school for makers (theatre, dance, visual art and others) they constantly try to re-invent themselves in order to keep a dynamic educational model. They redefine their program twice a year, having so called ‘group-blocks’ with different mentors and themes from different artistic fields, during which 12-14 students meet to engage in a process of discovery, exchange and challenge. I participated in three of those blocks; in the second I wrote part of the script of our new piece: europe an alien and was able to invite andcompany&Co. to work on it. I just finished my third block with an Individual Trajectory, an intense study and research period, which ended in the solo-work: little red (room). I will finish DasArts in 2006 with my final project. DasArts is a place where connections are made – between theatre and society and theory and practice, and is therefore an ideal place for me as theatre-maker dealing with those issues, as well as for our group andcompany&Co. that also benefits from the great network, which DasArts has built over the years. The goal of DasArts is to constantly expand the vision what theatre might be, they keep on pushing boundaries without being afraid of taking risks, and are therefore a great and inspiring think- and do-tank in my work.

• What do you think about theatrical education?

Nicola: There is nothing like DasArts in Germany, if you want to make theatre, there are still not much more choices than to apply at a director’s school or at an actor’s school. Most of those schools are state-schools, connected to state-theatres, and even if the education might be technically excellent, the carrier of those who make it is preprogrammed: You end up in an ensemble of a state-theatre, if you are lucky you get to play bigger parts and this allows you at least some possibilities. We chose a different way, because we want to choose who we work with. I think that workshops, scenic projects or summer-academies are a great way to get ahead and to try out new forms. The workshop I gave last year for theatre students in Frankfurt, where we worked with the original sound material of the Frankfurter Auschwitz-Trial, had a very strong impact on my work in general. I believe that those intense periods of dealing with each other can have a deeper effect on someone, than years of common art-education. Brecht said that talent meant interest – and getting people interested, that is what I like to do when I give a workshop.

• What are the purposes of your company?

Nicola: We believe in collaboration as the very essence of theatre and also that theatre will cease to exist if it’s not searching for new collaborators from other fields (fine arts, photography, videomaking, etc.) But instead of a Wagnerian “Gesamtkunstwerk” we’re looking for a loose artistic association based on the idea of networking and the art of conspiracy. We work preferably with artists from different artistic fields, the other two co-founders of our company, Sascha Sulimma and I. Helen Jilavu, are a musician and a photographer. In our research period all of us work in our own fields and inspire the process, but at the end we do theatre together, putting everybody on
stage. The most important is to make all participants visible, even the technicians. For every production we invite new artists, for europe an alien there will be the graphic designer Louise Kolff and the Greek dramaturge Alexandros Efklidis, for our last production: for urbanites – nach den großen Städten, we invited a German filmmaker, an inventor of game shows and a theoretician, writing a dissertation about computer games. But the “&Co.” does not only include other artists, but also the members of the audience whose co-presence is the specific quality of theatre, who cofabulate (Brecht) and also co-produce a theatrical performance (Heiner Müller).

Alex: We want to undermine the distinction between actor and spectator and encourage the “spectator” to come out of the closet. For us the “stage” can be anywhere, a street, a club, an empty house or ruins of industrial culture, it doesn’t matter, what matters is that there is a place in society that is marked by quotation marks: “theatre”. We shouldn’t forget that in ancient Greece and in Elizabethan England plays were performed during daytime: the Erynnians as well as Hamlet’s ghost appeared in bright sun-light! (End of quote)

Nicola: That’s why we prefer theater without a roof.

• You have chosen to work a lot on political issues (p.e. refugees, exiles). Why do you choose them?

Alex: The crisis of liberal democracies because of mass-media has not become less since the early 1920’s, the triumph of the radio, it has become worse. The ‘theatricality of politics’ is a problem that is not to be solved by a new form of ‘authenticity’ or ‘purity’ of the political realm, but by staging a critique on the stage of theater, of using ‘theatricality against theatricality’: spy vs. spy.

Nicola: But that doesn’t mean, that our theatre is political, because of the issues we choose, rather we want to make theatre in a political way. Collaboration is rule nr. 1 for this project, nr. 2 is the way we deal with issues, for example the question of exile and refuge: We don’t use them as topics that are put on stage, but rather as challenges that question the whole idea of “stage”, “theatre” etc. Like Brecht said in 1936: “The modern audience member comes into the theatre as a customer but also like a refugee.” Rather than actors talking about refugees we want to work with this situation of theatre as refuge and actors as exiles, exiled on stage.

• Do you believe that theatre can have a serious part on facing and dealing with these problems?

Alex: Only very indirect, today theatres can probably only help facing problems by refusing to play their part, their role of ‘enlightened entertainment’, of cultural education and identity building. The idea of we-are-we has to be challenged, to fight with the invisible fourth wall that separates the stage from the audience is also a fight against the territorial border that keeps refugees outside – and sometimes citizens inside. And it is a never-ending fight, which is the first lesson, the most important one. We think that the question of borders and transgressions is a, maybe the central topic of today and we should start to face the fact that we are dealing with very new borders that are very flexible and very rigid at the same time.

• What do you believe that the theatre of today is? Do you think that you are working on a new kind of theatre?

Alex: The crisis of the theatre today is the crisis of the nation-state. We need a theatre for the global village, a theatre that cuts off its roots and starts to wander around again: Actors used to be migrants, they were traveling people, and it was a nomadic artform. The whole idea of a standing stage, of theatre inside a house was the dream of nation-builders, of artists-as-statesmen, cultural leaders (in Germany Lessing, Goethe & Schiller). We don’t believe in ‘world-theater’ in the sense of “the whole world is a stage” (Jacques in As You Like It), a ‘global theater’ as a some sort of Über-nationaltheatre, but a minor theater, a small stage, a theater as fluid as financial flows that materializes itself from time to time somewhere to mark a space with quotationmarks. QUOTE–UNQUOTE.

• Do you think that theatre has lost its autonomy and has to contribute with all other arts and with new tendencies?

Nicola: Sure. Theatres often remind us of deserted temples or empty churches. Instead of asking the believers to return we should change the religion and use the houses in the meantime for something else, for festivities, for gatherings, etc. The actors should go on strike together – in order to do something together, to finally find out what they could do if they collaborated. I believe that theatre-people already have a dream of how they would like to work, and they only have to wake up to make the dream come true. Some other artists could help to wake them up, they are already knocking on the doors of the theatres. Because there is a promise hidden in theatre-making: the
promise to do something together.

Alex: Actors are workers, the theatres today are sweat-shops, and they operate as agent of alienation, of alienated labor. But while the factories are dissolving and the work-force disintegrating, actors are still kept inside the walls. We have to fight alienation (Entfremdung) with alienation (Verfremdung): the A-Effect!

• Do you believe in the power of text? And how this power can be transformed in worldwide theatre language?

Alex: We take pleasure in text, we believe in text-theatre, but that’s something completely different as literature-theatre. Unfortunately theatres still believe in literature instead of in theatre, that is to say: in drama not only as a form, but as the norm. That is the spirit of the 19th century, but what was still well and alive in the 20th might change in the 21st. By looking beyond the dramatic theatre there is a lot to discover: we are living in a world of texts, we read when we are awake, we write while we are asleep. With Heiner Müller we believe that the theatre of the text has not started to exist yet, but we are looking forward to its arrival like others wait for UFO’s.

• Your last project is inspired a lot by Greece. You have returned to continue your research. What is about?

Nicola: Our project is called europe an alien and is inspired by a workshop that we were invited to give by Helene Varopoulou at the 5th theatre summer academy EXILES NOMADS REFUGEES in Soufli. We were fascinated by the sight of the Evros river, such a beautiful landscape, such a tough border: mine-fields like the death-strip that separated East from West Germany. It’s separating not only Greece from Turkey, but also the EU from non-EU or better said: not-yet-EU. This border is the ‘limes’ of the Union that prevents so-called ‘illegal aliens’, refugees and migrants to enter. For them it’s a deadly trap.

Alex: The peculiar thing about rivers is that they connect at the same time that they separate. Probably the days of the Evros as border-river are counted – just like the Rhine. You can already see the Evros-delta turn into a very special euro-region, it will attract many tourists, especially eco-tourists, for sure, which will probably be the end of the great nature which is there today – protected from people because it is a military zone! That’s why it is a natural reserve area, many birds are stopping there to rest from their natural migration routes. Ornithologists watch them with their special looking glass and are watched by soldiers with their special looking glasses…

Nicola: We travelled back to the Evros to find out more about Europe: We came in our bus from Germany to Greece: Exit and re-enter Europe. At the Greek border we had some problems with our passports (see our webdiary: www.andco.de). We crossed seven borders on the way, the last one was the border to Turkey, where the Evros is called Meriç Nehri. And we drove to the Bosporus to cross the bridge to Asia. The tricky thing about borders is that even if they disappear, they are not gone, they just move somewhere else. We want to now: where will the border move this time? And where do you draw the border between Europe an Asia then?

Alex: It seems that for the new Europe there are no borders, only a frontier like in the pioneer-days of the USA. This frontier is not directed towards the West but towards the East, but it is also facing ASIA as its ‘other’. Our play is alienation in itself, it is not bound to the real territorial border, but to an idea, an idea called “Europa”: europe an alien.

andcompany&Co. – bereits der Name dieses Theorie-, Performance- und Theaternetzwerkes mit seiner offenen wie zugleich verbindlichen Struktur ist Programm. Seit 2003 bereist die Gruppe die Weiten der postmodernen Landschaften von Theater, Kultur und Politik, um sich jeweils dort temporär anzusiedeln/einzunisten/niederzulassen, wo die jeweils aktiven Mitglieder auf Widerstände stoßen: seien es die Pforten des 2003 geschlossenen Experimentaltheaters TAT in Frankfurt, die Außengrenzen der Europäischen Union oder, wie zuletzt, der eiserne Vorhang und über seine Öffnung das Verschwinden der politischen Utopie des Kommunismus.

Eine weitere Programmatik ist dem Namen des Netzwerkes eingeschrieben: &Co. – das Prinzip des Re-Mix, oder besser, weil materialumfassender, der Re-Animation. Denn all diese Widerstände, derer sich die andcompany&Co. annimmt, werden zu Anlässen, um Ausgegrenztes, Zurückgelassenes, überwunden Geglaubtes einzusammeln und über eigene Strategien zu einem Comeback im Hier und Jetzt einer Kultur, die alles (selbst das Ende der Geschichte) überwinden zu können glaubt, zu ermöglichen.

Damit das Vorhaben einer solchen Vergegenwärtigung nicht bloße Theorie bleibt, sondern für alle Beteiligten (den Zuschauer eingeschlossen) erlebbare Praxis wird, bedarf es weiterer Strategien, die sich die andcompany&Co. auf gemeinsam wie getrennt verlaufenden Pfaden in den vergangenen Jahren erarbeitet hat. Von ihnen soll im Weiteren anhand mehrerer Produktionen berichtet werden.

KOMM

Nicola Nord ist als Performerin und Sängerin von Beginn an im Netzwerk der andcompany&Co. fest verankert. 2004 machte sich von ihrem damaligen, temporären Arbeitsort DasArts (Amsterdam) aus auf die Suche nach Kommunistinnen und Kommunisten. Sie sucht dabei gezielt nach Menschen, die in den Zeiten des real- existierenden Sozialismus diesseits, also westlich des Eisernen Vorhangs lebten und das im festen Glauben an eine gesellschaftliche und politische Utopie des Kommunismus – zumindest bis zu jenem Tag, an dem sich der eiserne Vorhang endgültig hob, die Mauer fiel und jedes weitere Festhalten an der Utopie obsolet zu werden schien.

Im Rahmen ihrer Recherche sprachen Anhänger der letzten großen Utopie des 20. Jahrhunderts mit Nicola Nord über die Trauer, die Leere und das Schweigen, das sich verbreitet und darüber, was bleibt, wenn einem die Utopie abhanden kommt: jede Menge uneingelöster Hoffnungen und Forderungen. Archive for Utopias, lost and found nannte Nord die auto-mobile Inszenierung ihrer gesammelten Dokumente und Materialien. Damit rollte sie durch die europäische Theater- und Festivallandschaft und verschaffte den Erzählungen der einstigen Utopisten Gehör.

USSA

Vor dem Hintergrund dieser akustischen Nahaufnahmen aus dem archive for utopias, lost and found folgt die andcompany&Co. Anfang 2006 einer Einladung nach New York. Mit dabei sind Alexander Karschnia als Autor, Performer und Theoretiker und der Sound-Artist, DJ und Musiker Sascha Sulimma. Auf dem Territorium des einstigen Erzfeindes des Kommunismus will man der Frage nachgehen, von wem und wo heute überhaupt noch über den Kommunismus geredet wird, geredet werden kann.

In REVOLUTIONARY TIMING findet die andcompany&Co. mit der Erfindung des Bühnen-Chats die Antwort und inszeniert sie in Form einer Sprech-Oper im Kurzformat. Eine low-tech Theatermaschine, die der in New York lebende Objekt- und Installationskünstler Noah Fischer für die Aufführung kreiert, liefert die notwendige Hardware. Es sind Lichtmaschinen, deren Material-Sampling manchen Bühnenmeister in Angst und Schrecken versetzen dürfte, angesichts der anarchischen Lust, mit der sicherheitstechnische Kalkulation im Umgang mit Elektrizität durch handverzwirbelte Drähte und Kontakte in kleinen Holzkisten ersetzt wird.

Ein auf diese Weise gebautes Lichtpult, Scheinwerfer, eine von Hand betriebene Lichtorgel und ein Chatroom-Setting aus Fußtretleuchten schaffen auf der Bühne eine retro-futuristische Zeitblase. Darin bewegen sich die Performer der andcompany&Co., proklamieren, singen, zitieren ihre Textmaterialien, die vom sozialistischen Liedgut bis zu antikommunistische Agitationsversuchen von Ronald Reagans reichen. Vor allem jedoch werden Chats improvisiert: „Let’s discuss the greatness and retarded ness of John Lennon here! – He’s ok, but I like Jesus better! – I hate Lennon, he was a communist! – He died like a thousand years ago, get over it buddy!“

Das, was der Chat-Generation mit großer Freude vorgeworfen wird – sich nicht mehr ernsthaft um die Generierung von Sinn zu kümmern – entwickelt durch die Verlautbarung des Bühnen-Chats ein neues, enorm musikalisches Potenzial. Der Rhythmus der schnellen Wortwechsel, die assoziative Drastik der Bezüge, die eiserne Regel, dass jeweils nur einer zu Wort kommen kann, all diese Funktionen halten das Sprechspiel Chat am Laufen. Doch vor allem halten sie den Text auf der Kippe. Jeder dramaturgische Sinn- und Vermittlungswille wird im Sprech-Chat musikalisch aufgerieben, nicht ohne Widerstand der nach Sinn strebenden Worte, doch sie alle müssen gewaltige Reibungsverluste hinnehmen, zu Gunsten der energiereicher Klangkaskaden, die dabei freigesetzt werden.

BRDDR

Eingeladen zum Festival „Freischwimmer – Plattform für junges Theater“ entwickelt die andcompany&Co. im Herbst 2006 ihre Performance „little red (play) – herstory“. In den vorangegangenen Stücken bereits als Figur etabliert unternimmt darin die junge Pionierin little red alias Nicola Nord eine Zeitreise in den Irrealis : Was wäre gewesen, wenn es in der Silvesternacht 1999 die DDR noch gegeben hätte? Aus der interstellaren Perspektive des 3. Jahrtausends, so der dramaturgische Rahmen, blicken die Temponauten der andcompany&Co. auf little red’s junge Geschichte und die politische Utopie des Kommunismus zurück und konstruiert das Doku-Märchen einer Vergangenheit, die little red’s Gegenwart hätte gewesen sein können: aus history wird herstory.

Es ist nicht das erste Mal, dass little red als Nicola Nords künstlerischem alter ego dabei jenen Spagat vollführt, der für die inhaltliche Spannung sorgt. Aufgewachsen in der BRD verbringt sie, wenn alle anderen Kinder im Sommer in den Süden fahren, die Ferien in einem Pionierlager der DDR. Dort kommt es auch zu jener, für little red’s Zeitreise relevanten Verabredung mit ihren Freunden, sich in der Silvesternacht 1999 unter dem Ost-Berliner Fernsehturm zu treffen.

Die Figur der little red ist dabei nicht das einzige Material, was in Form einer multimaterialen (Re-)Animation erneut in Erscheinung tritt. Abermals wird leidenschaftlich gesprochen, gesungen und gechattet, Text und Musik aus REVOLUTIONARY TIMING liefern betriebsinterne Vorlagen, auf die sich die andcompany stützt, wenn sie zur Sprache kommen lassen will, was ihrer Meinung nach dem Schweigen über die Utopie des Kommunismus folgen könnte: ein utopisches Erzählen, aus dem Ende der Geschichte ein Anfang für neue Geschichten wird.

So sitzt die Autorin und Performerin Bini Adamczak in little red (play) dann auch an ihrer literarischen Werkbank zwischen Papier und Low-Tech-Lichtpult und erzählt den Anwesenden von little red’s Reise durch die Zeit. Dass sich dabei der literarische Raum so weit krümmt, dass Brecht, Müller und die Gebrüder Grimm gleichberechtigt nebeneinander stehen, verwundert kaum.

Gemeinsam mit Noah Fischer fertigt die Medien- und Objektkünstlerin Hila Peled den Temponauten ihre räumliche und körperliche Ausstattung. Der Bühnenraum wird zur Textlandschaft, die an die produktivsten Zeiten der russischen Avantgarde erinnert. Zwischen Noah Fischer’s schlichten Arbeitsplätzen erhebt sich eine Text-Skyline aus Pappbuchstaben an Holzlatten: HÖRT – USSAR – BRDDR – KOMM – INTE – ZU – SPUTNIK – ON – S – U – REPUBLIK. In dieser Raumstation agieren die Performer mit überdimensionalen Masken, ob als Uhr mit losen Zeigern, als monströse Micky-Maus oder als Berliner Fernsehturm (für Alexander Karschnia).

Zu rhythmischem Leben erwacht die Textstadt im Schein der Lichtorgel, die es erlaubt, über eine im Zentrum platzierte Kurbel einzelne Leuchten, am Rand des Aufführungsraumes anzusteuern. Der Reihe nach, je nach Geschwindigkeit des Kurbelns, setzt sich die Textstadt in Bewegung, wirf ihre Schatten zu allen Seiten. So wird auch hier der Text zu Musik; ergriffen vom Puls der flackernden Lichter entschwindet der Inhalt – große Musik statt schwerer Worte. Kaum kommt die Lichtmaschine zur Ruhe, stehen die Worte in ihrer gebrochenen, pappkameradenhaften Unbeholfenheit wieder verloren im Raum herum oder versammeln sich verschämt in einer Ecke.

Es ist die enorme Souveränität der andcompany&Co., dass sie ihrem Material, ihren Mitgliedern und Zuschauern gestattet, sich permanent zu verändern. Denn alle Bühnenhandlungen, die immer (auch) akustische sind, stellen jedes Geschehen im Augenblick des Ereignisses dem Vergessen anheim. Erinnern (machen) und Vergessen (machen) sind gleichermaßen zentral. Jede Handlung, die sich eines historischen (Gedächtnis-) Materials annimmt, beinhaltet gleichermaßen eine Strategie, es wieder aus Auge und Ohren zu verlieren

Wenn Alexander Karschnia versteckt hinter einer Dagobert Duck-Maske die Frage stellt, woher nur all die Kommunisten kommen (Antwort: „Nobody knows.“) oder er sich bemüht, Bini Adamczak’s poetische Prosa über das Wollen und Wirken der Temponauten auf eine höhere Sinnstufe (in englischer Sprache) zu versetzen, oder ob Walt Disney’s Aussagen vor dem Komitee für unamerikanische Aktivitäten in einem nicht enden wollenden Fragenkatalog und Ronald Reagan’s Angst vor den Kommunisten im Bühnen-Chat zermahlen werden, trägt dies bei aller Schärfe der Inhalte auch zu ihrer Auflösung bei.

Wenn das noch nicht reicht, wird wieder die Lichtorgel gedreht oder man rennt, Hauptsache, Energie wird freigesetzt. All das bleibt stets ein Spiel, wirkt dabei angemessen ungeprobt, bleibt provisorisch, ohne Antwort. Es ist ein Spiel mit dem Imperfekten, was die Einstellung des erlösenden Sinns getrost auf jenen hellen Tag in ferner Zukunft verschieben kann und sagt: jetzt ist nur das, was ist. Das Hier und Jetzt. Das ist kein falsches Versprechen mehr, das ist wahrhafter Trost.

Der Kommunismus ist tot, das weiß seit 1989 jeder. Aber kann ein Gespenst überhaupt sterben? Das internationale Performance-Kollektiv andcompany&Co. hat in der alten wie in der neuen Welt, im Weltraum und im Irrealis recherchiert – und antwortet mit einem entschiedenen Nein. So wird in den eigenen Bühnenstücken der Utopie ein Refugium gebaut, von der russischen Avantgarde über Sputnik-Träumen zu John-Lennon-Chats.

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Bildet Banden! Oder besser: eine Band. Weil das Sprechen mit Zitaten zu ihnen gehört, kann man über andcompany&Co. vielleicht nur mit geliehenen Worten reden. Tocotronic singt: „Wir sind viele – jeder einzelne von uns.“ Und andcompany&Co. macht dazu Theater. Das Performancekollektiv, 2003 in Frankfurt am Main gegründet, versteht sich als offenes, aber verbindliches Netzwerk. Den Kern bilden Alexander Karschnia, Autor und Theaterwissenschaftler, Nicola Nord, Sängerin und Performerin sowie Sascha Sulimma, Musiker und DJ.

Ihr erstes großes Stück „for urbanites – nach den großen Städten“ zeigten sie 2004 zur Schließung des Frankfurter Theaters am Turm (TAT). Auf der Bühne: Zehn Performer und ein Klavier. Am Ende bestückten sie sich selbst und das Publikum mit Papierhüten zum Zeichen eines neuen Bundes und marschierten vor das Bockenheimer Depot. Zwei kletterten die Fassade empor und entfernten aus dem Schriftzug TAT die beiden Ts: „Das TAT ist tot, es lebe das A.“ A wie Anfang. A wie andcompany&Co. Aber das Ende des geschichtsträchtigen Avantgardetheaters mit dem Beginn von etwas Neuem gleichzusetzen, bietet sich an und verbietet sich zugleich.

Alle drei stammen sie aus Frankfurt, Alexander Karschnia und Nicola Nord studierten dort Theater-, Film- und Medienwissenschaften, Nicola Nord und Sascha Sulimma spielten in einer Band. 2004 gingen sie nach Amsterdam, weil Nord dort ein Künstlerstipendium in DasArts (The Amsterdam School for Advanced Theater Research and Dance Studies) erhielt. Als ihre „Homebase“ in Deutschland bezeichnen sie das Düsseldorfer Forum Freies Theater (FFT), das viele ihrer Produktionen koproduziert.

Offengelegte Theatermaschinerie

Nach dem andco-Prinzip haben sie bisher unter anderem mit Fotografen, Autoren, Bildenden Künstlern und Musikern zusammengearbeitet. „In gewisser Weise muss man dann das Rad immer wieder von neuem erfinden“, so Karschnia, „aber wenn es gut geht, kann man auch eine gemeinsame Sprache entwickeln. Wir glauben fest an den ‚general intellect‘ (Marx). Es gibt Gruppendenken!“ Kollaboration ist bei ihnen nicht nur ein Diskursmodewort. „Wenn man mit uns zusammenarbeitet, wird man automatisch zur Ko-Autorin, Ko-Regisseurin… Uns verbindet die Faszination für ein Thema, dazu wird dann geforscht, recherchiert, gegoogelt, daraus entstehen dann Texte, Musik…“

Dass nicht jeder andco-Produzent automatisch ein guter Performer ist, versteht sich von selbst, doch die entstehende Spannung ist beachtlich und die Chance zu Scheitern inbegriffen. Ihre Bühnensprache aber besitzt Wiedererkennungswert: Ihre Bühnen sind ausgeräumt, die Performer sitzen oder stehen an ihren Plätzen wie an Instrumenten, ausgestattet mit Textbüchern, Mikrophonen, Lampen oder Laptop. Denn Musik und Ton werden als Performance begriffen, die Theatermaschinerie offen gelegt. Umso mehr, seitdem der New Yorker Künstler Noah Fischer dabei ist.

Kein Erich Honecker ohne Dagobert Duck

Während eines Stipendiums in New York 2006 produzierten sie „Revolutionary Timing“, und Fischer entwarf dafür eine Lichtmaschine aus Stehleuchten und nackten Glühbirnen, gesteuert von einer Lichtorgel. Mit dieser Haptik, ihrer grobschlächtigen Materialität mutet die Bühne bisweilen an wie das „Raumschiff Orion“: Rettungslos anachronistisch und ziemlich futuristisch zugleich.

andcompany&Co. sucht das Theater für die Gegenwart, das mit Netzen und „dotcoms“, aber ohne Kopierschutz operiert. Sie bearbeiten politische, historische und (pop)kulturelle Themen des 20. und 21. Jahrhunderts, jedoch nie isoliert voneinander – kein Mauerfall ohne die Beatles, kein Erich Honecker ohne Dagobert Duck. Zitate markieren Verwandtschaftslinien, die – auch hier ist der Name Programm – Wahlverwandtschaften sind. Text und Musik folgen dem Prinzip von Remix und Loop, von Verdopplung und Variation, Wiederholung und Zerschneidung. Monteverdi und Kurt Weill, Ronald Reagan und Heiner Müller. Bei Alexander Karschnias Textgeflechten gilt der Rhythmus der Sprache ebensoviel wie ihre Buchstäblichkeit, sie deklinieren Wortspiele durch, klopfen sie assoziativ nach Bedeutungsmehrwert ab und werden dabei immer auch Musik.

Mit der Autorin Bini Adamczak kam bei „little red (play): herstory“ (2006) eine Stimme dazu, die sich einfügt und doch einen anderen Klang mitbringt. Auch auf der Bühne spielt Sprache eine prominente Rolle: Beim TAT-Tanz der Buchstaben um den Turm oder beim Bühnenbild von „little red“, das von der isrealischen Künstlerin Hilal Peled stammt. Eine Stadtlandschaft aus Buchstabentürmen, die vor Noah Fischers flackerndem Licht ihre langen Schatten werfen und fiktionale Bündnisse schaffen: USSR, BRDDR. Die Rede mit fremden Zungen lallt bisweilen, an Schärfe verliert sie nicht.

Zugvögel auf Kollisionskurs

„Nicht politisches Theater machen, sondern Theater politisch machen!“ agitiert Alexander Karschnia. Bei andcompany&Co. heißt es auch, sich auf die Suche nach Utopia zu begeben, nach dem Ende der großen Erzählungen den Fluchtpunkt in der Gegenwart zu verorten. Ihre Performances stellen Fragen, situieren sich innerhalb von Diskursen und übertreten sie zugleich. Wie bei einem guten Popsong oder bei David-Lynch-Filmen wird das Zitat dabei nicht Selbstzweck, gerinnt das Diskursgemetzel nicht zur Pose, sondern wird umgehend in den Rhythmus der Performance transportiert.

So montierten sie in „for urbanites“ die Historie und Gegenwart der Stadt Frankfurt und ihres Theaters mit Brechts Goldgräberstadt Mahagonny: „Ein Gespenst geht um, das Gespenst der Krise: Stadtsterben, Theatertod.“ Und erklärten kurzerhand die Nachbarstadt Offenbach – „off off“ – zur Utopie. In „Europe an Alien“ (2005/06) war es die Suche nach der europäischen Identität in Geschichte und Gegenwart, dort brachten sie EU-Europa und mythologische Vorgeschichte, Schengen und Dionysos, Flüchtlingsströme und die Wanderung der Zugvögel auf Kollisionskurs.

Kinder des Kalten Krieges

In den letzten zwei Jahren ist es das Ende des Kommunismus, das sich die Kinder des Kalten Krieges vornehmen – in „Revolutionary Timing“ und im daraus entwickelten ersten Teil ihrer Kommunismus-Trilogie „little red (play): herstory“, der im Rahmen des Festivals Freischwimmer 2006 produziert wurde und seither unter anderem in den Berliner Sophiensaelen, auf Kampnagel in Hamburg und beim Kunstenfestivaldesarts in Brüssel zu sehen war.

Darin drehen sie das Rad der Zeit zurück, machen aus dem Ende der Geschichte den Anfang einer Geschichte, aus history herstory. Nicola Nord erzählt als „little red“ von ihrer Kindheit und Jugend als „westdeutsches Kommunistenkind“, das in den Sommerferien in die DDR fuhr und die Jahrtausendwende mit den Pionierfreunden in Berlin feiern wollte. Doch die Utopie starb zuerst, das Lied vom Ende des Kommunismus in Europa erklang. Ein Gespenst geht um… „little red“ aber verlängert die Geschichte, negiert den Mauerfall, lässt die Utopie wieder auferstehen inklusive Feuerwerk, Rotkäppchen und Showdown in der DDR.

Tanz ins Weltall

Beim Steirischen Herbst in Graz produzieren sie derzeit mit insgesamt sieben andco-Produzenten den zweiten Teil der Trilogie, „Time Republic“ hat am 28.9. Premiere und greift zum 50. Jahrestag den Sputnik-Schock auf. Tanz ins All. Neben den zahlreichen Stückproduktionen sorgen so genannte andco-Labs, Laboratorien dafür, dass die Zeit nicht stehen bleibt. Schnelle, dreckige Arbeiten, bei denen mit unterschiedlichen Partnern Selbst- und Fremdversuche gestartet werden.

Ihre Performances lassen sich als Fortsetzungsgeschichten sehen, Re-mixe, postmodern und postdramatisch. Vielleicht ist diese stationäre Entwicklung, die Selbstwiederholung auch die einzig mögliche Strategie, auf einem Kunstmarkt zu überleben und zugleich Qualität zu behaupten, der ständig neue Produkte fordert: So machen andco mit Deleuze/Guattari „Produktion von Produktion“ wie es das Gründungsmanifest der Truppe versprach. Und weil andco nicht ohne Programmatik sein könnten, hat Alexander Karschnia für die Grazer Premiere keine kleine Ansage gemacht. Es werde höchste Zeit für einen Sputnik-Schock im deutschen Theater. Nun denn: Höchste Zeit für einen theatralen Tanz in Richtung All, der sich vor Pathos, Poesie und politischer Positionierung nicht fürchtet.

Mai 2004. Das Frankfurter Theater am Turm wird geschlossen: „Stadtsterben, Theatertod.“ – so klingt der Abgesang der Avantgarde. Dazu tanzen fünf Performer einen albern-erhabenen Sirtaki, den Tanz der Buchstaben um den Turm. Es ist das erste große Projekt von andcompany&Co., „for urbanites – nach den großen Städten“. Darin wird die Geschichte des TAT und des Viertels Bockenheim mit Brechts Goldgräberstadt Mahagonny kurzgeschlossen: Ist das Gold, respektive die Kultur, alle, so ziehen die Goldgräber weiter. Das internationale Künstlerkollektiv jedoch zog zunächst nach Amsterdam, dann nach Berlin, wo es artist-in-residence am HAU ist. Seine Stücke liefen unter anderem beim Brüsseler KUNSTENFESTIVALDESARTS (2007), beim steirischen herbst in Graz (2007), Wiener Festwochen (2008) beim Festival Impulse (2009) und beim Dortmunder Festival favoriten 08 – Theaterzwang (2008), wo „little red“ den Preis des NRW-Kultursekretariats erhielt.

andcompany&Co. wurde 2003 in Frankfurt am Main gegründet von dem Autor und Theaterwissenschaftler Alexander Karschnia, der Sängerin und Performerin Nicola Nord und den Musiker und DJ Sascha Sulimma. Der nach vorn und hinten Anschluss schaffende Name ist Programm: Es versteht sich als offenes Netzwerk, das mit Künstlern verschiedener Sparten kollaboriert – bisher beispielsweise mit der Autorin Bini Adamczak, den bildenden Künstlerinnen und Künstlern Noah Fischer, Hila Peled und Jan Brokof, dem Komponisten Thomas Myrmel und dem Neue Musik-Ensemble MAE. Dabei ist Teil des Spiels, dass die Kollaborateure als Performer mit auf der Bühne stehen. In Laboratorien, sogenannten &Co.LABs, erarbeitet andcompany&Co. kleine, schnelle Projekte mit wechselnden Partnern, initiiert als Versuchsanordnung für eine gemeinsame künstlerische Zukunft.

Seine Stücke sind Arsenale einer Geschichte des 20. und 21. Jahrhunderts. Sie führt von Mahagonny aus über die (Be-)Gründung Europas („europe an alien“, 2006) zur ‚Trilogie des Wiedersehens mit dem 20. Jahrhundert‘ über Geschichte und Ende des Kommunismus („little red (play): ‚herstory‘“, 2006; „time republic“, 2007; „Mausoleum Buffo“, 2009) und das Hamlet’sche Drama des tatenlosen Prinzen („showtime. trial & terror“, 2008) zum kapitalen letzten Sommer der Indianer („West in Peace“, 2009), einem brasilianisierten Brecht („FatzerBraz“ 2010) und einem aktualisierten Lenz („Pandämonium Germanicum: Lenz im Loop“ 2011). In einer offensiven Assoziationspolitik werden die kollektiven Dachbodenschätze durchstöbert, kein Fundstück ist ungelöst vom anderen denkbar:

Der Mauerfall und die Beatles, Erich Honecker und Dagobert Duck, John Lennon und Vladimir Lenin, Karl Marx und Karl May werden zu einem dichten Verweissystem verknüpft, einem Schlagabtausch der Zitate, die Verwandtschaftslinien anzeigen. So spuken die untoten philosophischen, politischen und popkulturellen Ideen von gestern vielstimmig durch ein Theater für die Gegenwart, das mit Netzen und dotcoms, aber ohne Kopierschutz operiert. Was die Recherche zutage fördert, wird nach den musikalischen Prinzipien von Sampling und Remix verarbeitet: Himmelsrichtungen, die Ideologien und Utopien anzeigen, werden geschreddert, in neue Kontexte gestellt und verschoben.

Die Stücke von andcompany&Co. sind Geisterbahnfahrten durch kollektive Gedächtnishalden, und im Wieder- und Widersprechen philosophischer und ästhetischer Versatzstücke von gestern werden Utopiefetzen plötzlich wieder vorstellbar. In den verschollenen, wiederversprochenen Phrasen wird post-postmodern die Wirkmächtigkeit der Sprache überprüft, ihre Fähigkeit, Realitäten zu schaffen: „How to make Ernst with words?“, hieß es 2006 in der Lecture-Performance „Kriegserklärung“. Wie kann aus den Zitaten Ernst werden, Tun aus Tun-als-Ob? Damit werden auch die Bedingungen des Performens selbst zur Disposition gestellt.

Seine kollaborative Arbeitsweise schließt eng an die Verhandlungsgegenstände an, der künstlerische Prozess ist praktische Utopieproduktion: Er behauptet Heterogenität und Anschlussfähigkeit, viele Kollaborateure haben in der Bühnensprache ihre Spuren hinterlassen – und umgekehrt. Und doch sind die Markenzeichen stets unverkennbar. Die ausgeräumten Bühnen sind Textlandschaften und Erinnerungsräume, in denen sich die Handlungen der Performer ablagern, sie sind Spielräume, Materialsammlungen und Recherchewüste, in denen (fast) alles von Hand gemacht wird. Denn die Lichtmaschinerie aus Glühbirnen und anderem Gefunzel wird von den Künstlern gefahren, die komplexe Klangmaschinerie aus Gongs, einem Kinderklavier, singenden Telefonhörern und vorproduzierten Remixes von hier aus abgespielt: Die Bühnenmaschine ist Performance. An- und abknipsend werden Geschichten erzählt und wird Geschichte gemacht, mit Walter Benjamin führt die Reise in die Zukunft durch die Reste und Spuren der Vergangenheit: Blick zurück nach vorn! So betreiben andcompany&Co. Temponautentheater mit Performern als Zeitreisenden, die den Zeitstrahl als Absprungschanze in eine Zukunft benutzen.